『イニシェリン島の精霊』

 『スリー・ビルボード』のマーティン・マクドナー監督の最新作。
 『スリー・ビルボード』は、公開当時、宮藤官九郎が惚れ込んで、ギレルモ・デル・トロの『シェイプ・オブ・ウォーター』とアカデミー作品賞を争って負けた時は、"俺の"『スリー・ビルボード』が・・・と憤慨していた。
 で、『スリー・ビルボード』を観た人の方が入っていきやすい映画になっていると思う。
 『スリー・ビルボード』は、レイプ殺人で娘を失った母親役のフランシス・マクドーマンドが、犯人を捕まえられない警察署長を非難する立て看板を立てることから話が始まる。行動は大胆だけれど、心情はわかる。『イニシェリン島の精霊』は、ある男が、三十年来の親友に突然絶交を宣言するところから始まる。しかも、二度と話しかけるな、もし話しかけたらその度毎に、自分の指を切り落とすという、かなりエキセントリックな脅しをかける。
 『スリー・ビルボード』のフランシス・マクドーマンドと違って、これは訳がわからない。突然、訳の分からない絶交宣言をされた側、『スリー・ビルボード』で言えば、警察署長の側に、今回は視点の中心が移っている。
 突然絶交された男をコリン・ファレルが演じている。『ウォルト・ディズニーの約束』で、パメラ・トラヴァース(『メリー・ポピンズ』の原作者)の父親役が絶賛されたのが記憶に残っている。今回、ゴールデングローブ賞の主演男優賞を獲得したそうだ。
 ゴールデングローヴ賞では、それだけでなく、作品賞と脚本賞も受賞している。ただ、作品賞はコメディ、ミュージカル部門。確かに、悲劇か喜劇かと問われれば間違いなく喜劇だ。
 特に、指を切り落とすって行動にどの程度リアリティを感じられるかがポイントになりそう。何かのメタファーかなと捉えられてしまうとリアリティは落ちるわけで、そこが『スリー・ビルボード』との差かなとも思った。
 親友に「話しかけたら指を切り落とす」まで言われて絶交される男の物語と考えれば喜劇でしかない。しかし、現に指を切り落とすまで行くと、喜劇で済まされない不穏さが漂よう。そして、その部分がこの物語の核だし、魅力である。
 指を切り落とすブレンダン・グリーソンの心情は最後まで明らかにれない。一応、ミッドライフクライシス的な説明はされるが、そういう鬱だとしても、そしてその結果としての自傷行為をありうるとしても、その心情に寄り添うようには映画の作りがなっていない。けっして彼の内面に入っていこうとしない。鬱と他人が名付けたとしても、それで何かがわかったかと言えばわからない。そのままで物語が進んでいく。そのうちに死の影がさしはじめる。せまいコミュニティでは、ひとりの鬱がひとりだけでは終わらない。訳のわからなさがコミュニティをかき回していく。安易な癒しに落とし込まないのが相変わらずうまいと思った。
 主人公(絶交された側)の妹シボーンを演じたケリー・コンドンもよかった。これが小説なら、彼女の視点で書かれただろうと思う。

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エゴン・シーレ展

 東京都美術館エゴン・シーレ展。
 エゴン・シーレがえらく若死にだったのはもちろん知っていたのだけれども、それがスペイン風邪だったのは知らなかったし、もし、知っていたとしても、このコロナ禍以前なら、特に感慨もなかったろう。

縞模様のドレスを着て座るエーディト・シーレ 1915

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 しかも、奥さんのエーディトもほぼ同時に同じ病で亡くなっている。ビアズレーみたいにもともと病弱だったとか、なんとなくそんなふうに思っていたが、100年前のパンデミックの結果だったと知ると、急に身近に感じられた。

横たわる長髪の裸婦 1918

 線が美しくこういうスケッチも油彩画と同じくらい見応えがある。

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座る黒髪の男

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 こんな極少の線で痩せた男の背中を表現する。線のうまい人の絵には、描く喜びが満ちているように感じる。長沢芦雪とか、熊谷守一とか、喜多川歌麿とか。

横たわる女

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モルダウ河畔のクルナウ

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風景画のセクションだけ撮影可になっていた。

 展覧会のグッズって、たぶん提携してる取引先が限られているのか碌なものがないのが普通だけど、今回、おしゃれなマグカップがあった。マグの内側に裸婦がプリントされていてそれを見ながらコーヒーが飲める。たぶんレオポルド美術館オリジナルかも。

 今回はオスカー・ココシュカピエタがあった。オスカー・ココシュカの展覧会は1978年以来開かれてないみたい。

www.egonschiele2023.jp

「Sit, Down. Sit Down Please,Sphinx. 」オペラシティアートギャラリー

オペラシティアートギャラリーで泉太郎の展覧会。

泉太郎 オペラシティアートギャラリー
このテントの数が足りなくて

前の人が「70分待ちです」と言われてるのを聞いて諦めたのだけど、2階の常設展の展示が充実していたので、後から考えると、待ってる間に常設展で時間を潰せばよかった。

佐藤忠良《若い立像》

佐藤忠良のこういうデッサンは珍しい気がする。
 これに比べると、舟越保武のデッサンはリアルじゃない。

舟越保武《ルドビコ イバラキ》

 それが、でも、彫刻になるとこういう感じになる。

舟越保武 《シオン》

 息子さんの舟越桂さんのリトグラフが多かった。

《「午後にはガンター・グローヴにいる」のためのドローイング》舟越桂
中野滋 《放浪の夢》
中野滋 《ポニーエクスプレス》
これはおそらく表示が間違ってるか、わかりにくいか。
どう見てもこちらが《生きるものの記憶 ー 帆》

 
で、

こちらが《心臓の箱》だろうと思う。

たぶん、素材の表記からもそうだろう。作家名は「保田井智之」とあった。

 泉太郎に話を戻すと、そういうわけでちゃんと観られなかったのが残念。

たぶん何かやらなきゃならなかったみたい
ここでVRが観られたみたい
しっかり意味がわからないのが好きです。

 日曜の3時ごろに訪ねたのだけれど、ガッツリ体験するなら、平日の午前にゆくのがよかったみたい。土日に行くなら、繰り返しになるけど、常設展で時間を潰すのもありかも。

 オペラシティアートギャラリーは攻めた展覧会をする。サイモン・フジワラもよかった。

『ホイットニー・ヒューストン I wanna dance with somebody』『空の大怪獣ラドン(4K)』

 去年の最後に観た映画と今年最初に観た映画。
 『ホイットニー・ヒューストン・・・・』の方は、楽曲はオリジナルなので、それだけでもいいかなと思って。
 この手の映画でけっこうな頻度で出くわすのが最低な父親。例を挙げれば、エイミー・ワインハウスブライアン・ウィルソン。親ガチャという意味では最低。逆に、父親の側から言えば「子ガチャ」が大当たりしたわけだ。
 ホイットニー・ヒューストンが「ホワイティー」ヒューストンと呼ばれて黒人社会から批判されていたとは初めて知った。こういう自家中毒的なコミュニティの排斥には心痛む。というのも、そういう排斥で、彼ら自身が黒人社会での白人の立場に立っていることに、気がつかないほどの傲慢さ。黒人社会での黒人による黒人への差別という絶望的な状況を、何なら彼ら自身は正義だと感じているらしく見える。
 彼らの中では、黒人は「白人と違って差別などしない聖なる存在」であるかのように思いなされているのだろうが、まさにそれこそが差別の核心、差別そのものだというパラドクスを、これはしかし、白人の側からは指摘しにくいのは無理もない。
 これと同じ状況はまさしく慰安婦問題である。あれはもはや韓国人による日本人差別である。が、それはなかなかそうは見えにくい。挺対協のやっていることが人権運動、統一教会の信仰がキリスト教に見える人にこれを説明するのは至難の業だ。
 日本人は、差別する側にもされる側にも立ってきたからこそこれが見えやすいわけ。だが、こういうことを言うと、ネトウヨかなんかと勘違いされる惧れもある。そんなことだから、「世の中が右傾化した」とか嘆くリベラルから人が離れていくのだが、彼ら自身は自身の正義を信じて疑わない。
 話を映画に戻すと、まあしかし、『ボヘミアン・ラプソディー』と同様、歌唱のパートはホイットニー自身の歌声を使わざるえないのは無理もない。誰が彼らの歌声を再現できる?。
 そう考えると、『リスペクト』で、アリサ・フランクリンを演じたジェニファー・ハドソンは大したものだった。生前のアリサ・フランクリン本人から主役の指名を受けていたのである。見事なパフォーマンスだった。
 『JUDY』でジュディ・ガーランドを演じたレネー・ゼルウィガーも大したものだった。
 ちなみに、ホイットニー・ヒューストンの生涯を描いたドキュメンタリー映画には『ホイットニー 〜 オールウェイズ・ラブ・ユー』があった。


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 『ラドン』の方は、これが東京現像所の最後の仕事だそうなので。
 『ラドン』は、怪獣映画として初のカラー映画だったのだそうだ。そのテクニカラー方式のフイルムが発見されて、当時のそのままのカラーが再現が可能になったそうなのだ。よくわからんのだが、テクニカラー方式ってのは、カラーフイルムを赤・緑・青の3原色のモノクロポジフィルムに分解して保存することで、色を劣化させずに長期保存が可能になるものだそうなのだ。
 66年前のカラーがそのまま見られるだけで感動だが、やっぱり、鳥を着ぐるみでやるのは無理なんじゃない?。
 それと、どんな視聴者を狙ってるのかわからなかった。見た感じでは、子ども向けではなく、プロレタリア文学みたいに始まって、推理ドラマみたいになり、最後には、災害映画みたいになる。これがとっ散らかって感じるのは、ラドンの存在感が弱いからだと思う。


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『SHE SAID』『パラレル・マザーズ』

 週末に『SHE SAID』と『パラレル・マザーズ』をみた。
 どちらも重いテーマをエンタメに昇華させた、満足感の高い映画だった。
 特に、『SHE SAID』の方は、エンドクレジットに「herself」と書かれている人が3人もいたのが感動的だった。特に、アシュレイ・ジャドは、かなり早い段階でハーヴェイ・ワインステインの行為を告発していたのに、その時はマスコミが取り合わず、逆に、そのために女優のキャリアを損なった経緯があるので、リベンジ感がハンパない。
 『プロミシング・ヤング・ウーマン』のキャリー・マリガンが主役のひとりのニューヨークタイムズの記者のミーガン・トゥーイーを演じているのも良いキャスティングだった。バディを組んでいるジョディ・カンターを演じるゾーイー・カザンとの組み合わせは、ルックスからも『大統領の陰謀』のロバート・レッドフォードダスティン・ホフマンを思い起こさせる。
 ちなみにこの2人、ミーガン・トゥーイーとジョディ・カンターはこの映画の主役だけでなく原作者でもある。
 引きの映像を多用しているのも効果的に思えた。心細さと無力感が伝わる。何の関わりもない赤の他人が、突然加害者になるかもしれない、それは、直接的な行動だけでなく、心ない投稿とか、愚にもつかないコメントとか、単に、悪意のある視線とかも含めて、そういう社会全体が孕んでいる暴力を、画面全体が感じさせる。
 つまり、主人公たちの努力やあがきに対して、社会全体がいかに無関心かが、映画全編の通奏低音としてずっと流れている。逆説的にそれが映画全体のドライブにもなっている。画面に加速感がある。
 ほぼ同じ背景を映画にした『スキャンダル』も観たけれど、あっちよりずっとタメが効いてる。そして、そのタメの分、同じことだけど、背景の重みが響いてくる。
 ハーヴェイ・ワインステインその人は姿を見せないのもうまい。ハーヴェイ・ワインステイン個人のセクハラの内容は、そうとう異常な感じがした。ただ、性的な嗜好は個人差があるので、その感じ方は人によって違うのかもしれない。なので、敢えて、ハーヴェイ・ワインステインの側に踏み込まなかったのは賢明だと思う。問題のありかがあいまいになっただろう。映画のなかでも言われてるから書いてもいいと思うが、いちばんの問題は、むしろ、加害者が守られて、被害者が傷つけられるシステムが存在していることだろうと思う。
 フェミニズム映画という意識はしないでいいと思う。そういう限定的な狭いレンジの映画ではない。そういう視野でしか見られない人は自己点検した方がいいと思う。
 プロデューサーがブラッド・ピットなのも面白いと思った。ブラピといえばロバート・レッドフォードの愛弟子の印象があり、その意味でも『大統領の陰謀』を思い出すから。

 

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 『パラレル・マザーズ』は、巨匠ペドロ・アルモドバル監督の新作。前作『ペイン・アンド・グローリー』が私小説的な映画であったのに対して、今回はスペインの痛切な歴史に踏み込んだ作品だった。
 プロットだけを聞くと、是枝裕和監督の『そして父になる』みたいなことなのかなと思うのだが、テーマは全く違って、奥行きが深い。
 小津安二郎監督の紀子三部作は、射程の長い反戦映画だと思っているのだけれど、これはそれと同じ意味で、フランコ独裁政権下のスペインを描いている。
 『SHE SAID』と似た手ざわりなのは、抱え込んでいる背景の広さだろう。私たちが何かを思っている、その背景には、そう思わせる社会的背景がある、この2つの映画はそういうところまで目が届いている。
 個としての私たちが社会と切り離して生きていけないかぎり、その社会の真実と正義は、私生活とは無関係ですとは、絶対にならない。
 その意味で、こういう映画を撮る事は、間違いなく作家の良心そのものなのである。フェミニズムとかリベラルとかそういうことは関係ない。


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『ミセス・ハリス、パリへ行く』『マリー・クワント スウィンギング・ロンドンの伝説』

 たまたま観た2本の映画が戦後のファンション史上で連続していたりするのが面白い。

 『ミセス・ハリス、パリへ行く』の方は、『スノーグース』という小説で知られているポール・ギャリコ原作、というだけで食指が動く人がいるのかもしれない。私は未読なんだけど、『ミセス・ハリス・・・』もシリーズ化されているようで、Amazonを見ると、ミセス・ハリスはパリだけでなくいろんなところに出かけている。
 一昔前の翻訳では「ハリスおばさん」となっていたようだが、その方がミセス・ハリスの社会的な地位はわかりやすいが、その分、彼女のプライドの部分は伝わらないのかも。それより何より、今の今って時代ではもちろん「ハリスおばさん」ではなく「ミセス・ハリス」だろう。
 これが「ミズ・ハリス」までいかないのはミセス・ハリスが戦争未亡人だからだろうと思う。映画では、ロンドンでひとり、通いの家政婦をしながら生計を立てている、ミセス・ハリスのもとに、ながらく消息不明だった夫の戦死が知らされる。
 時代としても、主人公の立場も『東京物語』とほぼ同じ。『東京物語』の公開が1953年、『ミセス・ハリス、パリへ行く』の背景は1957年のロンドン、パリ。『東京物語』の節子のさらに4年後にミセス・ハリスは夫の戦死通知を受け取ったことになる。
 そう考えると、ミセス・ハリスが、クリスチャン・ディオールのドレスに心奪われるリアリティが増す気がする。1957年の戦争未亡人が、あちこちのレビューに書かれているような「もうすぐ還暦」ってことは、ないとは言わないけど、それより10〜15歳若い方が自然じゃないだろうか?。
 旦那の戦死が確定したことで、まとめて年金を受け取ったミセス・ハリスは、タイトルどおり、いよいよパリに出かけていく。クリスチャン・ディオールのドレスを買いに行くのだ。
 ただ、クリスチャン・ディオールのドレスは当時すべてオートクチュール。コネがないと買うどころか見ることもできない。一部の特権階級だけに許されるオシャレだった。この状況が、もう一方の映画『マリー・クワント・・・』の発端と同じ。しかも『マリー・クワント・・・』の方はドキュメンタリーなので、空襲で瓦礫になったロンドンの実際の映像も見ることができた。
 ミセス・ハリスはじゃあどうやってディオールのドレスを手に入れたか?。そこがまさにドラマなので、そこは説明しないけれど、その背景に、パリのストライキがあり、ディオールで働いている末端の女性たちとミセス・ハリスとの交流があり、そして、ついにはディオール自身も動かしてしまうってところが『フォレスト・ガンプ』的なほら話になっていて実にうまい。
 たとえば、ミセス・ハリスがパリに着いた時には、パリは、清掃業者のストライキの真っ最中でゴミだらけ。それが実は伏線になっていてラストのひねりにつながる。
 もちろん、ディオールの全面協力でステキなドレスがいっぱい。映画の中でミセス・ハリスが入り込んだファッションショーは、クリスチャン・ディオールの10thアニバーサリーのファッションショーを完全再現しているそうだ。
 ミセス・ハリスを演じているのは、レスリー・マンヴィル、この人は、ポール・トーマス・アンダーソン監督の『ファントム・スレッド』では、ダニエル・デイ=ルイス演じるファッションデザイナーのお姉さんをやっていた人で、今回の役とは真反対だったのである。
 その真反対の役どころ、ディオールの重役を演じているのはイザベル・ユペール。この人が出てるだけで大概の映画は面白くなる気がする。ちなみに、この映画でのイザベル・ユペールも、夫が戦争で傷痍軍人となっている設定だ。だから、実年齢よりずっと若い設定だと思っていいんじゃないだろうか。
 もうひとつちなみにリュカ・ブラヴォー演じるディオールの会計士は、若き日のイヴ・サンローランがモデルだそうである。
↓以下、監督インタビュー

news.yahoo.co.jp

 『マリー・クワント スウィンギング・ロンドンの伝説』は、ミニスカートの発明で知られるマリー・クワントの伝記的ドキュメンタリー映画。一番おどろいたのは、マリー・クワントの実店舗って、今は日本にしかないみたいね。日本の企業にバイアウトしたんだそうだ。それで、ふと気がついて見ると、日本の「kawaii」の源流は、じつはマリー・クワントにありそう。『マイ・ジェネレーション』って映画を観た時に、水森亜土が描く女の子のモデルがジーン・シュリンプトンだったのには気づいた。それに、峰不二子のモデルは、マリアンヌ・フェイスフルでなくて誰なんだ?。
 それにしても、マリー・クワントの60年代の無敵ぶりはすごい。『ミセス・ハリス、パリへ行く』の舞台は1957年だったわけで、その当時、庶民はディオールの服を買おうにもそれを見ることすらできなかった。お金があってもよ。
 そんな時、1955年に、キングズロードに出店したマリー・クワントのBAZAARが、市場を席巻したのは想像に難くない。ここ以外に全世界どこを探してもないわけだから。sweepというけれど、まさに、若者の需要を全部かっさらった。
 スウィンギング・ロンドンというけれど、ビートルズ、デビッド・ホックニーヴィダル・サスーン、マリー・クワント、音楽、美術、美容、服飾、まさしく,ロンドンが世界の中心だった感がある。実際、彼らがイギリスの経済を立て直したんだし。
 下世話な話だけど、今だったら、マリー・クワントは巨万の富を手にしていただろう。その当時でも儲けたには違いないが、今みたいに、システムがきちんとしていなかった。ローリングストーンズなんかは、アラン・クレインに搾取されて、ミック・ジャガーが「食うものがなくなった、金を送れ」とか、そんな状態だったらしい。アラン・クレインはローリングストーンズを追い出された後、ブライアン・エプスタインを亡くしたビートルズに寄生した。ビートルズ解散の原因はアラン・クレインだという説もある。
 マリー・クワントの場合は、旦那さんのアレクサンダー・プランケット・グリーン、友人のアーチー・マクネアという協力者がいたことが大きかった。それでも、今ほどマニュアルがなかったに違いない。ビートルズの場合もそうだったけど、急激に膨らみすぎた。世界を席巻するとは思っていないわけで、歴史上、誰も体験したことのないマネジメントだった。
 マリー・クワントというと、カラフルなミニスカートとタイツ、ヴィダル・サスーンの短髪で闊歩するイメージがあるけれど、映像で見ると意外に猫背なのが印象的だった。猫背のクリエーターって何かサブカルっぽくないですか?。インタビュアーに「誰が"堂々としたい"って言った?」って言い返すシーンがあった。
 マリー・クワントが自分のデザインを語るとき「セクシー」という言葉を何度も強調していた。たとえばミニスカートについても「走れること」そして「セクシーに見えること」。
 ウーマンリブ(女性解放)をいうなら、女性が自分のセックスをアピールできることもそこに含まれるとは、当然のことと思われる。「堂々としたいわけではない」と語りながら、セクシーで走れる服を作る、猫背のこのクリエーターは信じられる気がした。
 日本の「KAWAII」の源流のひとつが確認できたのは驚きだった。マリー・クワントが日本の企業にブランドを受け渡したのも偶然ではないかもしれない。ギャルやアイドルの源流もマリー・クワントだったように私には見えた。吉田豪に見られるようにアイドルとパンクの文化は日本では重なっている。
 スウィンギング・ロンドンの終焉とともにマリー・クワントも表舞台から退場する。代わってキングズロードの覇者となったのはヴィヴィアン・ウエストウッドだった。
 マリー・クワントからヴィヴィアン・ウエストウッドへという流れは、ロックからパンクへという時代の移り変わりを正確に反映している。大陸のハイファッションのブランドには、こうした若者の文化との関係はない。ハイファッションのブランドがなんとなくダサいと感じてしまうのはこの辺に理由がありそうだ。
 2本の映画でディオールからヴィヴィアン・ウエストウッドまでロンドンのファッション史を旅してしまった。こういう面白いことが時たま起こる。ちなみに、ヴィヴィアン・ウエストウッドドキュメンタリー映画も2018年に公開されている。これに加えて、『白い暴動』を見ればロックからパンクへの変遷が追体験できる。


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東京国立博物館で松林図屏風

長谷川等伯《松林図屏風》

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 国宝中の国宝と言われている長谷川等伯の松林図屏風が、東博に常設展示されないについては批判もある。たとえば、お正月の時期以外に来日した海外の美術ファンは、これを目にすることができない。
 しかし、一体どのくらいの人がこれを見に来たいのかわからないので判断に迷う。今回も、もちろん他の展示室よりは人混みしたが、ゴッホ展みたいに人が殺到するって状況にならないのは、そんな具合に、あんまり宣伝しないおかげでもあるわけだから、まあいいかって気持ちにもなる。
 松林図屏風はたぶん日本の水墨画の到達点のひとつなんだろう。水墨画ってのは描き直しができない。ファーストタッチがすべて。六曲一双のこの屏風が一気に描きあげられたってことなのだ。
 近寄って見ると、私たちが子供の頃にやったお習字のあの筆の跡が見える。墨の匂いがしてきそうなくらい墨痕そのもの。なのに、少し離れて見ると霧に包まれた松林が現れる。西洋画的な遠近法も何もない。のに、そこに空間が現れる。墨しかないのに。
 ちなみに、今回、別室に富岡鉄斎の掛け軸があった。先日、これについて書いたばかりだったので苦笑いしてしまった。もちろん、鉄斎のは文人画であるから、長谷川等伯と比べるのはフェアではない。しかし、富岡鉄斎水墨画の標準にかんがえるのもそれと同じくらい違うのがよくわかると思う。
 以下、この日の展示の一部。東博の常設展は一部を除いてすべて撮影可なのもうれしい。

《四季山水図屏風》伝 周文

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 出光美術館長谷川等伯の《竹虎図屏風》ってのがあるんだけど、その左隅に狩野探幽の手で「これは周文の絵である」と書き込みがある。こんな具合に長谷川等伯の画業は江戸時代からつい最近まで、狩野派の組織的な謀略で抹殺されてきた歴史があるそうだ。こないだサントリー美術館で観た智積院の襖絵も長らく狩野山楽の絵だとされてきたのだそうだ。権力とウソは結びつきやすいことがよくわかる。ちなみに個人的な好みでは狩野探幽はクソにも値しない。

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俵屋宗雪《龍虎図屏風》

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尾形光琳《月梅図屏風》

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弘法大師坐像 奈良 大安寺

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古今和歌集 元永本 下帖

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和歌屏風 松花堂昭乗

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